Ce lustre rouge en verre soufflé de  Murano fracassé au sol que 10 corbeaux semblent dévorer à l’instar d’une charogne frappe d’abord l’œil par une impression de fort contraste de matières et de couleurs. Rouge et noir, plumes et verre renvoient le spectateur aux paradoxes de la nature humaine : pureté et impureté, beauté et horreur, force et fragilité, corps et esprit.

D’anciennes fables veulent que le plumage initialement immaculé des oiseaux ait été noirci en punition de leur vanité excessive. Ils incarnent ici la faute et la culpabilité.

La délicatesse du lustre brisé en proie aux volatiles, sa couleur sang et la sensation de perte irrémédiable, de dépassement d’un point de non-retour qui s’en dégagent peuvent quant à elles être interprétées comme une métaphore de l’histoire et de son effondrement : l’homme contemporain, incapable de rassembler les fragments perdus de son passé, ne peut se projeter dans l’avenir. 

Cette construction métaphorique complexe illustre la tendance post-moderne qui ne voit dans la mort aucune promesse de résurrection et dans la perte de la culture artistique classique aucune promesse de progrès ni de renouveau. Ainsi, les corbeaux qui s’emparent de ces brisures du monde ancien extirpent la matière de son contexte originel.

Carroña,
Javier Pérez 2011
Copyright Photo : ©Francesco Allegretto

L’œuvre est présentée au Musée Maillol jusqu’au 28 juillet

Au Menu, des saveurs typiques de Venise et sa région. La spécialité de la "saison" à déguster de tout urgence ? Le Risi e bisi (risotto aux petits pois et pancetta) !

A noter que des formules aux prix alléchants sont également proposées et qu’il est désormais possible de prendre table à la Cortigiana sans pour autant visiter l’exposition. Le restaurant du Musée est ouvert tous les jours le midi et le vendredi soir lors de la nocturne du Musée.

Réservations / informations : 01 42 22 27 77 / restaurant@museemaillol.com

Retrouvez le hors-série Connaissance des Arts – Murano à la boutique du Musée !

Les influences orientales

On retrouve, en observant les motifs du plateau de marbre de Belgique, les influences islamiques qui inspirèrent notamment les arabesques d’aventurine sur fond d’émail rouge. Ce type de motifs est une réminiscence des tendances stylistiques de la renaissance.

Les cercles situés au centre du plateau, également faits d’aventurine et d’émeaux de couleurs diverses, sont quand à eux d’inspiration Byzantine. On les retrouve par exemple sur la facade et les mosaïques de la basilique Saint-Marc de Venise. 

La technique de la mosaïque

Antonio Salviati prit activement part au développement  du travail des mosaïques de verre, notamment en ouvrant au sein de sa manufacture un atelier dédié à cette technique particulière en 1859 avec l’appui du maître verrier Lorenzo Radi, spécialisé dans la technique consistant à travailler le verre afin qu’il prenne l’apparence de pierres précieuses. 1859 marque donc le départ d’une large production de mosaïques destinées à orner bâtiments et mobilier.  En 1862, Salviati présenta une réalisation similaire à cette table à l’Exposition Universelle de Londres, attestant de l’innovation tant artistique que technique dont témoignait ce type d’oeuvre. 

La technique de l’incrustation de pâtes de verre travaillées sur une matière comme le marbre ou le bois était appellée par les verriers de Murano travail “à la Toscane”, en référence à la Florence des Médicis. Cette méthode de travail se répandit et devint florissante durant la seconde moitié du 19ème siècle sur l’île des verriers, à tel point que Napoléon Ier et Caroline-Auguste de Bavière se procurèrent du mobilier de ce style.

Table décorée d’émaux et aventurine
Antonio Salviati, 1865
Copyright photo : Roberto Mascaroni – Studio Saporetti, Milano

228 pages qui retracent l’extraordinaire aventure du verre de Murano en parcourant sept siècles de création intense, du milieu du XVe siècle à nos jours. 

Murano, Fragile, exposition au musée Maillol jusqu'au 28 juillet

Fruits d’une insatiable recherche de nouveauté typique du rococo vénitien, les meubles à inclusions de verre constituent un exemple de la vivacité chromatique des décors des intérieurs vénitiens au XVIIIe siècle, dont le temps a gardé surtout le souvenir d’autres matières, telles les bois laqués et les tissus. On ne connaît pas à ce jour d’autres fauteuils similaires, mais il existe de nombreux miroirs dont les encadrements en bois doré sont ornés d’applications ou d’incrustations de verre.

Briata eu l’idée d’exposer ses meubles aux incrustations de cristal à l’occasion de la foire de la Sensa (fête de l’ascension) qui se tenait chaque année sur le place Saint-Marc. Des produits luxueux d’excellente qualité réalisés par les meilleurs artisans locaux et étrangers y étaient alors présentés.

Actuellement exposé au Musée Maillol : 
Fauteuil avec incrustations de verre Venise, 
Giuseppe Briati, 1740-1760.
Photo Dennis Cecchin – ©Archivio Fotografico-FMCV, 2013

En parallèle de la découverte de ce livre, vos enfants peuvent actuellement participer à nos ateliers : DECOU-verre, « à la découverte du verre en s'amusant ». Plus d'informations ici et réservation à enfants@museemaillol.com

Photo copyright : Thomas Faverjon 

Découvrir plus de photos de l'exposition sur Flick'R.

Le cortège représente ici un Triomphe de la Justice et des Vertus. Un lion et un jaguar tirent un char paré de guirlandes sur lequel est assise une femme personnifiant la Justice avec en main ses emblèmes traditionnels, l’épée et la balance. Le char est précédé de cinq jeunes femmes. On peut reconnaître parmi elles la Tempérance, versant de l’eau d’une cruche dans une autre, symbole de la modération qui consiste à atténuer la force du vin en y versant de l’eau. À sa droite, une autre porte une corne d’abondance – et serait donc la Fortune – à moins que cela soit une longue trompette – et serait donc la Renommée, ainsi qu’elle est représentée sur diverses peintures de la fin du XVe siècle. Le char est suivi d’une femme qui pointe son index vers le haut, un geste tout à fait insolite, qui est peut-être celui de l’Espérance, souvent indiqué par des yeux et des mains tournés vers les cieux. Mais d’autres indices qui pourraient confirmer ce symbole manquent ici. Par contre l’interprétation des deux figures suivantes est incontestable. La première est une femme portant une colonne : c’est la Force ; la seconde, qui  tient un enfant nu dans ses bras tandis qu’un autre s’agrippe à sa robe, personnifie la Charité. 

Le thème du triomphe est issu de l’antiquité Romaine. C’était l’hommage de plus solennel rendu, après délibération du Sénat, à un chef d’armée qui avait remporté une victoire écrasante sur l’ennemi. 

Un autre type de triomphe fut proposé par Pétrarque dans son poème allégorique Les Triomphes daté du 14ème siècle : les triomphes de l’Amour, de la Pudeur, de la Mort, de la Renommée, du Temps et de l’Éternité. Ces sujets étaient souvent choisis pour orner des coffres de mariage ou des plateaux d'accouchée. Les coupes, comme celle-ci, étaient probablement des cadeaux de noces.

Calice « Le triomphe de la justice » Venise , fin du XVe siècle

Actuellement exposé au Musée Maillol, Murano Fragile jusqu'au 28 juillet 2013