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CENTRES D’ART NUMÉRIQUES

Musée Maillol

Fondation Dina Vierny
EXPOSITION
Foujita Les années folles (1913-1931)
Du 7 mars au 15 juillet 2018

Du 7 mars au 15 juillet 2018, le Musée Maillol à Paris, présente une exposition consacrée à l’artiste japonais, naturalisé français, Léonard Tsuguharu Foujita. Plus d’une centaine d’oeuvres majeures, issues de collections publiques et privées, retracent le caractère exceptionnel des années folles de Foujita à Montparnasse, entouré de ses amis Modigliani, Zadkine, Indenbaum, Kisling, Pascin, Van Dongen... L’exposition se concentre sur la première période parisienne de l’artiste, très productif entre 1913 et 1931.

L’exposition retrace l’histoire d’un destin unique, celui d’un artiste évoluant entre deux cultures. De ses prémices au Japon, en passant par son ascension et la révélation de son oeuvre, son parcours le mènera jusqu’à la création de ce personnage si singulier dans le contexte parisien des années folles. Ses thèmes récurrents – femmes, chats, enfants et autoportraits – sont spécifiques du foisonnement de sa production artistique de l’époque Foujita traverse les grands courants modernistes sans dévier de son schéma de recherche, respectueux de ses racines japonaises et du classicisme des grands maîtres occidentaux. Ses oeuvres en appellent d’autres, celles de ses voisins d’atelier, ses amis, admirateurs et inspirateurs, pour un dialogue enrichissant permettant de mesurer l’originalité et la complémentarité des artistes regroupés sous l’appellation « École de Paris ».

Dans une scénographie conçue par Hubert Le Gall, l’exposition entend souligner à la fois les fantaisies de l’homme extravagant et son ascension au sommet de son art. Deux diptyques monumentaux, Combats I et II et Compositions au lion et au chien datant de 1928, étaient considérés par Foujita lui-même comme ses chefs-d’oeuvre. Ces oeuvres majeures, propriété du Conseil Départemental de l‘Essonne, installées au centre de l’exposition, marquent le point d’orgue des Années Folles, preuve de la virtuosité et de l’impact de Foujita sur son époque.

L’exposition démontre le talent de l’artiste fou de dessin qui, après son illustre prédécesseur Hokusai, maniait le pinceau avec brio. Le trait de Foujita se révèle d’une sureté infaillible et ses lignes d’une finesse calligraphique exemplaire avec l’utilisation du sumi (encre noire japonaise) autant sur le papier que pour ses huiles. Il laisse à la couleur un rôle secondaire mais si décisif qu’elle en sublime le trait. La délicatesse de la gouache et de l’aquarelle emplit les formes par aplat, pour des transparences subtiles lorsqu’il s’agit de peinture à l’huile. Lorsqu’il utilise des fonds d’or, ceux-ci renforcent l’impression de préciosité et de raffinement.

Cinquante ans après la mort de Foujita en 1968, le musée Maillol met à l’honneur l’oeuvre lumineuse et rare du plus oriental des peintres de Montparnasse.

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Commissariat général

Sylvie Buisson, historienne de l’art et experte de Léonard Foujita

Anne Le Diberder, directrice de la Maison-Atelier Foujita, à Villiers-le-Bâcle, Conseil Départemental de l’Essonne

Fondation Foujita, sous égide de la Fondation d’Auteuil, à Paris

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POUR LES ENFANTS
Visite-atelier de l'exposition Pop Art COMPLET
Du 14 octobre 2017 au 21 janvier 2018

TOUTES LES VISITES SONT COMPLÈTES. 

A compter du 14 octobre, chaque samedi et dimanche à 15h, vos enfants peuvent profiter d'une visite-atelier autour de l’exposition "Pop Art - Icons that matter".  

Accompagnés d’une médiatrice culturelle, les enfants découvrent les œuvres colorées et ludiques des plus grands artistes du Pop Art américain. La visite est suivie d’un atelier adapté à leur âge : les plus jeunes réalisent un dessin coloré à partir d’un objet du quotidien à la manière d’Andy Warhol. Quant aux plus grands, ils pratiquent la technique du pochoir comme le faisait Roy Lichtenstein.  

Informations pratiques

Durée : 1h15 - merci de vous présenter 15 minutes avant le début de l’animation
Âge conseillé : de 6 à 12 ans
Tarif : 11 €

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EXHIBITION
POP ART - Icons that matter Collection of the Whitney Museum of American Art, New York
From 22 September 2017 to 21 January 2018

Begun by the famous sculptor and patron of the arts, Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942), the collection of the Whitney Museum of American Art of New York provides a veritable anthology of 20th-century art. This collection contains remarkable artworks from the Pop Art Movement. Including paintings, sculptures and prints, more than sixty works will be presented for the first time in Paris, at the Musée Maillol, from the 22 September 2017 to the 21 January 2018.

The exhibition focuses on Pop Art in post-war American art, from the beginning of the 1960s to the end of the 1970s, and includes formative figures from the Pop Art movement: Robert Rauschenberg and Jasper Johns, the sculptures and monumental canvases of Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, James Rosenquist, and Alex Katz, the serigraphs of Andy Warhol, and the paintings of Jim Dine and Roy Lichtenstein. Although the exhibition features the movement’s most prominent artists, it also includes American artists who are less well known in France (George Segal, Rosalyn Drexler, May Stevens, John Wesley, and so on) and enable viewers to appreciate the diversity of the techniques employed.

The American Pop Art

At the beginning of the 1960s, in just a decade, a generation of artists emerged in the United States in reaction to the abstract expressionism that predominated at that time. The consumer society developed as the economy prospered. It was in this context that Pop Art emerged. The Pop movement artists generally represented everyday objects and the signs of popular mass culture, and they employed the techniques used by advertisers and comic strips that incorporated textual elements. This art movement was also characterised by the use of uniform coloured areas comprised of pure, intense, and contrasting colours, using a technique known as ‘Hard Edge’. It affirmed its belief in the power of the image, and it was often humorously, even ironically, that it reappropriated iconic figures such as Kennedy and Marilyn Monroe, and depicted ‘the American way of life’, in order to celebrate and criticise it at the same time.

To Roy Lichtenstein’s mind, « Pop Art looks out into the world, it appears to accept its environment, which is not good or bad, but different—another state of mind ».

« Pop is everything art hasn’t been for the last two decades. It is basically a U-turn back to a representational visual communication, moving at a break-away speed in several sharp late models. It is an abrupt return to Father after an abstract 15-year exploration of the Womb. Pop is a re-enlistment in the world. It is shuck the Bomb. It is the American Dream, optimistic, generous and naíve… », says Robert Indiana.

with the support of 

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This application offers a guided tour of the exhibition with the commentary on 22 works of art, reproduced in full screen definition.
Rate: €2,99

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The Whitney Museum of American Art, New York

The Whitney Museum of American Art was founded by the sculptor Gertrude Vanderbilt Whitney in honour of American artists. At the beginning of the 20th century, innovative artists experienced great difficulty in getting their work exhibited and/or in selling their pieces in the United States. From 1907 and up until her death in 1942, Gertrude Whitney devoted her life to acquiring and exhibiting works by American artists: she was the largest patron of contemporary American art of her time.

In 1914, she established the Whitney Studio in Greenwich Village, where she organized exhibitions of contemporary American artists whose work had been overlooked by traditional arts institutions. In 1929, she tried to donate a collection of over 500 artworks to the Metropolitan Museum of Art. Her donation rejected, she established her own museum with a radically innovative mission: her aim was to focus exclusively on American art and artists. The Whitney Museum of American Art, established in 1930, moved to Greenwich Village in 1931.

In 1954, the museum moved to a larger premises on West 54th Street. In 1963, these premises were once again too small for the growing collection and the museum acquired a building designed by Marcel Breuer on Madison Avenue, which would house its collections from 1966 to 20 October 2014. The Whitney Museum’s new premises, designed by Renzo Piano, situated at number 99 Gansevoort Street, opened its doors to the public on 1 May 2015.

Today the collection of the Whitney Museum boasts over 22,000 artworks, created by some 3,000 artists from the 20th and 21st centuries.

Curatorship

David Breslin, chief curator of the exhibition and director of the collection at the Whitney Museum
Carrie Springer, co-curator of the exhibition

OPENING TIMES  

The museum is open every day from 10.30 a.m to 6.30 p.m during exhibitions. Late night opening on Fridays until 9.30 p.m.
The book and gift shop is open during the museum’s opening hours.

 


RATES  

Full rate: €13
Reduced rate: €11 
Youth rate (7-25 years old): €5

Reduced rate for students, unemployed, disability card and Education Pass holders (on presentation of written proof).
Free for children under the age of 7, ICOM, ICOMOS and SNELAC cards holders and journalists (on presentation of written proof). 
Offer for families: Free entry for the second child aged 7 to 17 with 2 adults in full rate and 1 paying child.  

Aids for visitors

Audio guide: €3 
Smartphones and tablets app: €2,99 
Booklet: €1 

 


ACCESS  

By métro: line 12, Rue du Bac stop
By bus : 63, 68, 69, 83, 84, 94 and 95 lines
By Velib' : Boulevard Raspail stop

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EXPOSITION
POP ART - Icons that matter Collection du Whitney Museum of American Art, New York
Du 22 septembre 2017 au 21 janvier 2018

Initiée par la célèbre sculptrice et mécène Gertrude Vanderbilt Whitney (1875-1942), la collection du Whitney Museum of American Art de New York offre une véritable anthologie de l’art américain du XXe siècle et XXIe siècle, dont des pièces maîtresses du « Pop Art » : peintures, sculptures, sérigraphies...

Des figures majeures du mouvement Pop Art, Robert Rauschenberg et Jasper Johns, aux sculptures et toiles monumentales de Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, James Rosenquist et Alex Katz, en passant par les sérigraphies d’Andy Warhol, les peintures de Jim Dine et de Roy Lichtenstein, l’exposition présente une soixantaine d'oeuvre du Pop Art américain de l’après-guerre, du début des années 60 à la fin des années 70. Si l’exposition convoque ses plus grands représentants, elle va également permettre de découvrir des artistes américains moins connus en France (George Segal, Rosalyn Drexler, May Stevens, John Wesley...) et d’apprécier la diversité des techniques employées.

Le Pop Art américain

Au début des années 60, les États-Unis voient émerger en l’espace d’une décennie une génération d’artistes en réaction à l’expressionnisme abstrait qui domine à l’époque. La société de consommation se développe parallèlement à une situation économique en pleine croissance. C’est dans ce contexte que le Pop Art va émerger. Les artistes du courant Pop représentent généralement les objets du quotidien et les signes de la culture de masse populaire. Ils s'approprient souvent des figures iconiques comme Jackie Kennedy ou Marilyn Monroe et utilisent des techniques employées dans la publicité et la bande-dessinée. Les couleurs sont utilisées en aplats uniformes dans des tons intenses.
Le Pop Art affirme sa croyance en la puissance des images, et c'est souvent avec humour, parfois avec ironie, qu'il dépeint « the American way of life» pour le célébrer et le critiquer en même temps.

« Le Pop Art regarde le monde, il semble accepter son environnement qui n’est ni bon ni mauvais, mais différent. Un autre état d’esprit », commente Roy Lichtenstein.

« Le Pop est tout ce que l’art n’est plus depuis deux décennies. Il s’agit véritablement d’une volte-face, un retour à une communication visuelle représentative, se déplaçant à une vitesse ébouriffante dans des modèles récents et pointus. C’est un brutal retour en arrière vers le Père, après une exploration abstraite de l’Utérus pendant 15 ans. Le pop art est un ré-engagement dans le monde. C’est se débarrasser de la bombe. C’est le Rêve Américain, optimiste, généreux et naïf… » résume à sa façon Robert Indiana.

avec le soutien de 

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Le Whitney Museum of American Art, une institution muséale pour l'art américain

Cette exposition organisée par le Whitney Museum of American Art, New-York, est produite et réalisée par Culturespaces avec le soutien de Natixis, mécène de l’exposition.
David Breslin, directeur des collections et commissaire d’exposition au Whitney Museum of American Art, New York, et Carrie Springer, commissaire adjointe au Whitney Museum of American Art, New York.

Le Whitney Museum of American Art a été fondé par la sculptrice Gertrude Vanderbilt Whitney en hommage aux artistes américains. Au début du XXe siècle, les artistes novateurs éprouvent les plus grandes difficultés à exposer et vendre leurs oeuvres aux États-Unis. Dès 1907 et jusqu’à son décès en 1942, Gertrude Whitney consacrera sa vie à acquérir et exposer leur travail : c’est le plus grand mécène d’art américain contemporain de son époque.

En 1914, elle fonde le Whitney Studio à Greenwich Village, où elle organise des expositions d’artistes américains vivants dont les oeuvres sont ignorées par les institutions artistiques traditionnelles. En 1929, elle fait don d’une collection de plus de 500 oeuvres au Metropolitan Museum of Art. Après avoir essuyé un refus, elle établit son propre musée avec une mission radicalement novatrice : se concentrer exclusivement sur l’art et les artistes de son pays. Le Whitney Museum of American Art, fondé en 1930, s’installe en 1931 à Greenwich Village.

En 1954, le musée est déplacé vers un site plus important sur West 54th Street. En 1963, les locaux étant à nouveau insuffisants, le musée acquiert, sur Madison Avenue, un bâtiment dessiné par Marcel Breuer, qui hébergera ses collections de 1966 jusqu’au 20 octobre 2014. Construit par Renzo Piano, le nouveau bâtiment du Whitney Museum, situé au 99, Gansevoort Street, ouvre ses portes au public le 1er mai 2015.

Aujourd’hui, la collection du Whitney Museum est riche, aujourd’hui, de plus de 22 000 oeuvres, créées par plus de 3 000 artistes aux XXe et XXIe siècles.

Téléchargez l'application

Cette application vous permet de découvrir les plus belles œuvres de l’exposition grâce à 23 commentaires d'oeuvres et la bande-annonce de l'exposition. Une visite en très haute définition avec une profondeur de zoom exceptionnelle ! 
Tarif : 2,99 €

> Bientôt disponible sur l'AppStore
Disponible sur Google Play

HORAIRES  

Le Musée est ouvert tous les jours de 10h30 à 18h30. Nocturne le vendredi jusqu’à 21h30.
La librairie-boutique culturelle est ouverte aux horaires du Musée, y compris le dimanche.

 


TARIFS  

Plein tarif : 13 €
Tarif réduit : 11 €
Tarif jeune (7-25 ans) : 5 €

Tarif réduit pour les étudiants, les porteurs d'une carte d'invalidité, les demandeurs d’emploi et les porteurs du Pass Education.
Gratuit pour les enfants de moins de 7 ans, les détenteurs d'une carte ICOM et les journalistes (sur présentation d’un justificatif en cours de validité).
Offre Famille : L’entrée est gratuite pour le 2e enfant âgé de 7 à 17 ans (avec deux adultes plein tarif et un enfant payant).

Aides à la visite

Audioguide : 3 €
Application smartphones et tablettes : 2,99 €
Dépliant de visite : 1 € 

Visite-atelier pour les enfants : 11 €
> En savoir plus

 


ACCÈS  

En métro : lignes 12, station Rue du Bac
En bus : lignes 63, 68, 69, 83, 84, 94 et 95
En Velib' : Station Boulevard Raspail

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EXHIBITION
21 rue La Boétie Picasso, Matisse, Braque, Léger...
From 2 March to 23 July 2017

Inspired by the eponymously-titled book by Anne Sinclair © Editions Grasset & Fasquelle, 2012

The exhibition "21 Rue La Boétie" retraces the remarkable story of Paul Rosenberg (1881-1959), one of the most in uential art dealers in the rst half of the twentieth century. The exhibition brings together some sixty or so Modern masterpieces, some of which have never before been shown in France (works by Pablo Picasso, Fernand Léger, Georges Braque, Henri Matisse, Marie Laurencin, etc.), coming from some of the largest public and private art collections in Europe. Many of the artworks on display have a direct connection to the dealer, having been shown in his galleries in Paris or New York, while others provide a signi cant insight into the historical and artistic context of the time.

Created by Tempora and produced by Culturespaces, in collaboration with experts at the Centre Pompidou, this exhibition benefits from the support of Paul Rosenberg’s granddaughter, Anne Sinclair, author of 21 Rue La Boétie (published by Editions Grasset & Fasquelle in 2012).

The career of Paul Rosenberg, an avid art collector, astute businessman and discerning amateur, friend and agent to some of the biggest artists of his day, allows us to understand from a new perspective the dual turning point that saw the emergence of Modern art, and the shift of the international art scene from Paris to New York against the backdrop of the Second World War.

Combining history and art, social history and politics, the exhibition highlights a crucial time in the twentieth century, of which Paul Rosenberg was an important witness, both an actor and a victim.

The hosting of the exhibition "21 Rue La Boétie" by the Musée Maillol is part of their new cultural programme, developed by Culturespaces, focusing on Modern and Contemporary art. This exhibition was previously shown at the Musée de La Boverie de Liège, designed and produced by the Belgian cultural agency Tempora and co- curated by Elie Barnavi, Isabelle Benoit, Vincent Delvaux, François Henrard and Benoît Remiche.

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The Team

Programming

The former Director of Paris Musées, and then Head of Production at the Centre Pompidou, Sophie Hovanessian has also worked as General Administrator of the Réunion des Musées Nationaux. Appointed Administrator of the Musée Jacquemart-André in 2010, she is Head of Cultural Programming and Exhibitions for Culturespaces.

Agnès Wolff, head of exhibitions, Sixtine de Saint Léger, exhibitions manager at the Musée Maillol and Camila Souyri, régisseur at Culturespaces, have also played an important role in the organization and realization of this exhibition Culturespaces.

Curatorial team

Tempora est le spécialiste belge de la conception, réalisation, promotion et gestion d’expositions (culturelles, historiques ou scientifiques) et d’équipements culturels.
Fondée en 1998 par Benoît Remiche et Elie Barnavi, la société compte aujourd’hui une quarantaine de personnes. Tempora a réalisé de nombreux musées et espaces d’expositions permanentes, ainsi que plusieurs grandes expositions temporaires en Belgique et à l’étranger. Parmi ses nombreuses activités, Tempora est liée par un contrat-cadre au Musée de l’Europe pour la réalisation de ses expositions et leur circulation en Europe et dans le reste du monde.

Scenography

Hubert Le Gall is a French designer, creator and sculptor of contemporary art. Since 2000 he has produced original scenographies for exhibitions.
La scénographie de l’exposition « 21 rue La Boétie » proposée par Hubert Le Gall intègrera des films et des dispositifs immersifs qui permettront de comprendre ce volet majeur de l’histoire de l’art au XXe siècle.

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EXPOSITION
21 rue La Boétie Picasso, Matisse, Braque, Léger...
Du 2 mars au 23 juillet 2017

D'après le livre d'Anne Sinclair © Editions Grasset & Fasquelle, 2012

L’exposition "21 rue La Boétie" retrace le parcours singulier de Paul Rosenberg (1881-1959), qui fut l’un des plus grands marchands d’art de la première moitié du XXe siècle. Elle rassemble une soixantaine de chefs-d’œuvre de l’art moderne (Pablo Picasso, Fernand Léger, Georges Braque, Henri Matisse, Marie Laurencin...), pour certains inédits en France et provenant de collections publiques majeures telles le Centre Pompidou, le Musée d’Orsay, le Musée Picasso à Paris, ou encore le Deutsches Historisches Museum de Berlin, ou d’importantes collections particulières comme celle de David Nahmad. De nombreuses œuvres sont directement liées au marchand, pour avoir transité par ses galeries, à Paris ou à New York, alors que d’autres renvoient au contexte historique et artistique de l’époque.

Conçue par Tempora et réalisée par Culturespaces, cette exposition bénéficie du soutien actif de la petite-fille de Paul Rosenberg, Anne Sinclair, auteur du livre éponyme "21 rue La Boétie" (paru aux Editions Grasset & Fasquelle, 2012).

Marchand d’art passionné, homme d’affaires avisé et amateur éclairé, Paul Rosenberg fut l’ami et l’agent des plus grands artistes de son temps, qui allaient devenir des maîtres incontestés de l’art moderne. Sa galerie mythique a servi de pivot à la peinture moderne en France, et plus largement en Europe et aux Etats-Unis.

La carrière de Paul Rosenberg permet d’appréhender sous un prisme nouveau le double tournant, dans l’histoire de l’art, que représentent l’émergence de l’art moderne, puis, dans la tourmente de la Seconde Guerre mondiale, le déplacement du centre mondial de l’histoire de l’art de Paris vers New York, en pleine crise de la Seconde Guerre mondiale. Mêlant histoire de l’art, histoire sociale et politique, l’exposition met en lumière un moment crucial du XXe siècle, dont Paul Rosenberg a été un témoin emblématique, à la fois acteur et victime.

Après le Musée de La Boverie de Liège, la venue de l’exposition 21 rue La Boétie au Musée Maillol s’inscrit dans la nouvelle programmation du musée, mise en œuvre par Culturespaces, et recentrée sur l’art moderne et contemporain. Elle fait résonner les liens que Paul Rosenberg entretenait avec Aristide Maillol, que le marchand défendait dans sa galerie.

Le commissariat de l’exposition est assuré par Elie Barnavi, Benoît Remiche, Isabelle Benoit, Vincent Delvaux et François Henrard, de l’équipe Tempora. Elaine Rosenberg, belle-fille de Paul Rosenberg, à New York, a permis la mise à disposition de ses archives, et Anne Sinclair est la marraine de l’exposition.

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L'équipe de réalisation

Programmation

Après avoir assuré la direction de Paris Musées et la direction de la production du Centre Pompidou, Sophie Hovanessian a été administrateur général de la Réunion des Musées Nationaux. Nommée administrateur du Musée Jacquemart-André en 2010, elle est directeur de la programmation culturelle et des expositions de Culturespaces.
À ses côtés, pour monter cette exposition, Agnès Wolff, responsable du service expositions, Sixtine de Saint- Légerresponsable des expositions pour le Musée Maillol, et Camila Souyrirégisseur des expositions.

Commissariat

Tempora est le spécialiste belge de la conception, réalisation, promotion et gestion d’expositions (culturelles, historiques ou scientifiques) et d’équipements culturels.
Fondée en 1998 par Benoît Remiche et Elie Barnavi, la société compte aujourd’hui une quarantaine de personnes. Tempora a réalisé de nombreux musées et espaces d’expositions permanentes, ainsi que plusieurs grandes expositions temporaires en Belgique et à l’étranger. Parmi ses nombreuses activités, Tempora est liée par un contrat-cadre au Musée de l’Europe pour la réalisation de ses expositions et leur circulation en Europe et dans le reste du monde.

Scénographie

Hubert Le Gall est un designer français, créateur et sculpteur d’art contemporain. Depuis 2000, il réalise des scénographies originales pour de nombreuses expositions.
La scénographie de l’exposition « 21 rue La Boétie » proposée par Hubert Le Gall intégrera des films et des dispositifs immersifs qui permettront de comprendre ce volet majeur de l’histoire de l’art au XXe siècle.

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Aristide Maillol: his life and work

Tapestry

Disheartened with the teaching of the Ecole des Beaux-Arts, and very impressed by the art of Paul Gauguin and Maurice Denis, who met and encouraged him, Maillol became interested in tapestry. He regularly exhibited his tapestries, sculptured wood, miniatures and enamelled terracotta at the Gallery of the Société Nationale des Beaux-Arts. In 1895, he set up a tapestry workshop in Banyuls.

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